Depuis plusieurs années, le cinéma ethnographique occupe une place significative dans la programmation culturelle de la Bibliothèque nationale de France. En novembre 2009, en particulier, un public nombreux et assidu put découvrir, lors d’un mémorable week-end, mainte restauration inédite des films de Jean Rouch. Deux ans plus tard c’est à nouveau par deux jours de projections et de master classes à la BnF que s’ouvre le programme des trente ans du festival organisé par le Comité du film ethnographique. Célébration et moment de réflexion tout à la fois, pour les cinéastes qui participaient au premier Bilan du film ethnographique au Musée de l’Homme en 1982, et dont on redécouvrira les films projetés alors.
Ensemble irremplaçable de témoignages, de traces, de points de vue sur le monde, l’audiovisuel ethnographique a pris place dans les collections patrimoniales de la BnF, aux côtés de travaux développés sur d’autres supports– écrits, photographies, enregistrements sonores... Les archives de Jean Rouch et celles du Comité, entrées à la BnF à partir de 2007, sont aujourd’hui mises à profit par les chercheurs. Et chaque année, une copie des films en compétition au Festival International Jean Rouch rejoint les collections audiovisuelles de la Bibliothèque par le dépôt légal. D’une grande richesse, tous ces matériaux sont à la disposition des chercheurs.

Bruno Racine
Président de la Bibliothèque nationale de France

Comme tous les artistes, Elisabeth Kapnist est habitée par les mystères de son enfance, fantômes si familiers nichés dans les personnages de chacun de ses films. Elisabeth a cette chance, dans notre époque raisonnable où nous sommes trop souvent réduits à une seule image, de pouvoir ainsi être « possédée » par des êtres magnifiques, à travers lesquels elle se cherche tout en nous disant quelque chose.
Toute son œuvre est bâtie sur des passages, des sauts, qui associent étroitement l’évolution du monde, en cette fin du XIXème, au mouvement des personnes, calée sur le changement de siècle autour d’une grande charnière qui voit la naissance de la psychanalyse dans une ville désenchantée et baroque, foyer de nouvelles subjectivités juste avant la Grande Guerre et l’effondrement des empires.
Ses films sur Freud et Lacan, sur la mise en forme du désir à l’écran, si finement ciselés et enracinés dans l’époque par le jeu d’une caméra subjective associée à des images d’archives souvent inédites, témoignent d’un retour sur soi qui s’exprime dans tous ses autres films dans un style qui s’affirme, évocation discrète et toute en finesse, dans les cadres et les mouvements de l’image, introduisant une rêverie mêlée de tendresse ouvrant sur une réflexion.
Recherche à Saint Pétersbourg des traces des grands parents. Retour à la Russie mythique de l’enfance, aristocratique et pétrie de culture, celle de Nijinski et de Chaliapine. Celle-là dont nous parle son oncle, Diadia Pavlik, à Nice imaginant près du kiosque du jardin Albert 1er les concerts de cette époque... Mais aussi Russie de la Révolution qui éclate en ce même début de siècle et nourrit les désillusions de Louise Weiss prônant la pleine reconnaissance des femmes et qui suscite au contraire tous les espoirs d’Isadora Duncan traduisant avec son « corps libéré » la révolte du peuple juste après la fusillade du Palais d’Hiver puis épousant un poète révolutionnaire avant de créer une école de danse à Moscou.
A la suite de Nijinski, à qui Elisabeth a consacré un si beau film, sommes-nous des âmes errantes, dansant la vie contre la mort quand chaque mouvement est émotion, tel Petrouchka, ivres d’illusions, d’espoirs et de souffrances.

Elisabeth Kapnist est auteur et réalisatrice. Elle a tourné de très nombreux films sur la Russie : Diadia Pavlik, mon oncle de Russie, qui retrace l’histoire de sa famille traversée par la révolution russe (1982), Loin, là-bas (1997), Chaliapine l’Enchanteur, Vaslav Nijinski, une âme en exil, Maïa Plissestkaya Assoluta, Le Rêve de Pierre, Saint-Petersbourg, La Fin de l’Union soviétique, mais aussi sur la psychanalyse : Sigmund Freud, l’invention de la psychanalyse ; Jacques Lacan, la psychanalyse réinventée (deux films écrits avec Elisabeth Roudinesco), Un écran nommé désir (écrit avec Michel Schneider). Elle s’intéresse également à des artistes, philosophes et figures féminines : Paul Cézanne, peintre ; Henry Bauchau, écrivain par espérance ; Les Variations Casadesus ; Michel Onfray, philosophe ici et maintenant ; Louise Weiss l’Européenne ; Sœur Emmanuelle, le cœur et l’esprit ; Isadora Duncan, je n’ai fait que danser ma vie ; Carolyn Carlson, le regard du geste. Elizabeth Kapnist réalise aussi des courts-métrages de fiction et depuis 1981 est membre fondateur des Ateliers Varan, centre de formation au cinéma documentaire. Son dernier film La Vie recollée, consacré à un hôpital psychiatrique, sera prochainement diffusé sur Arte.

Les films documentaires portant l’estampille « MacDougall » ont l’immense mérite de laisser advenir des situations de la vie courante dans lesquelles « des gens » (des aborigènes d’Australie, des Turkana du Kenya, des photographes ambulants, des étudiants indiens) révèlent leur intelligence, leur humour et la profondeur de leurs réflexions sur le sens de leur vie. Donner au spectateur l’accès à une manière de considérer le temps, l’espace, la vie, le travail, la mort, l’amour, c’est tout l’art des MacDougall, qui excellent à restituer de manière sensorielle des lieux et des paroles. Pourquoi et de quoi vivent les bergers sardes ? Quels sont les horizons et les aspirations des élèves d’un grand internat de l’Inde postcoloniale ? C’est le genre de question auxquelles les films de MacDougall s’efforcent de répondre ? Cette œuvre est fortement politique en ce qu’elle ne se borne pas à préserver les traces d’un mode de vie en voie de disparition, mais finit par faire intrinsèquement partie des efforts consentis par les personnages des films eux-mêmes pour exprimer leurs opinions. Les MacDougall, David et Judith, séparément ou ensemble, manient avec élégance une réflexivité discrète. Ils ne font jamais « leur cinéma », mais font sentir qu’ils font eux-mêmes partie du contexte des situations qu’ils décrivent. Cet aveu d’exotopie ne procède pas seulement d’une honnêteté (ce qui ne serait déjà pas si mal) : elle se révèle indispensable pour comprendre comment se produit un certain savoir ethnographique, à l’intersection de deux cultures différentes.  Un autre point fort de cette œuvre sans pareille réside dans l’exigence d’une grande qualité cinématographique qui jamais sépare le fond de la forme ; ce qui est une leçon pour nous tous. Enfin, je voudrais terminer par une allusion à l’œuvre écrite de David MacDougall : Transcultural Cinema, parce que fondé sur une riche expérience, est certainement le meilleur livre consacré au cinéma ethnographique, dont il expose avec subtilité non seulement les dilemmes esthétiques et éthiques, mais aussi l’extraordinaire potentiel.